We weren’t adamant about signing purely Montreal-based artists. It just worked out that way – because this city is an untapped well of unique artistic expression that is only starting to seep through the cracks.

Version française ci-dessous

Founded by Dan Seligman – who you may know as part of the team behind Pop Montreal – and Lenny Levine, Club Roll is no longer just a delicious Montreal deli sandwich but also a hot new record label representing some of the best budding talent the city has to offer. Fresh off their launch, the duo sat down with Société Perrier to talk about everything Club Roll. The topics of loins and sketchy lofts also (briefly) made an appearance.

How did Club Roll come to be?
DS: Lenny and I wanted to start a company importing organic energy drinks but it didn't work out, so we went with music instead since we're better at that.

LL: Before starting Club Roll with Dan, I ran another record label - that shall remain nameless - before I got the boot... Club Roll is the outlet for Dan and I to finally work together after being friends and associates for probably more than ten years now. The label is a mechanism allowing us to be able to work with people we like as humans.

Your roster is solely made up of Montreal musicians. Was that a conscious decision?
LL: Truly a twist of fate. We weren’t adamant about signing purely Montreal-based artists. It just worked out that way – and for the best, ultimately, because this city is an untapped well of unique artistic expression that is only starting to seep through the cracks.

What makes an artist Club Roll-worthy?
LL: Fortunately for Club Roll, Dan and I generally agree on what we consider good. It’s almost comical. We only just scrapped yesterday for the first time. He called me “self-entitled”. I laughed.

DS: We only sign music that inspires us. We want to be excited by the music. We want to feel the music in our loins.

Dan, can you describe the label's four current signees?
AroarA: Dark, brooding, haunting, visceral, an otherworldly voyage to the root of it all and back. Shadows and light. Yin/yang.

Karneef: Binary, angular, manic, savvy, hungry, determined to rearrange your molecular structure. He just crash-landed the mothership in your backyard. Take him to your leader. Break out your abacus and your triple-beam balance.

Jef Barbara: Candid, wry, smooth, soulful, passionate, gives you everything he has. He’s all in. Bares his soul for you. Jef’s a performer. He’s the future. (photo to the left, courtesy of Minelly Kamemura)

Filthy Haanz: Questioning and voracious, aware that now is the time to throw caution to the wind. A melodic kaleidoscope like waves crashing on the beach and rolling back urgently. Running and gunning all day and all night.

What attracted you to AroarA, the new project of Broken Social Scene’s Andrew Whiteman and his wife Ariel Engle?
DS: Ariel and I worked together at Hurley's Pub over a decade ago, then I first heard her sing with The Dears... I met Andrew while touring with Stars and Broken Social Scene in 2001, so I've known them both for a long time and have been following their artistic careers. I'm a big fan of their music and they are both super nice, genuine people, so it was the logical step for everyone. They wanted a cool Montreal label and we’re down with their vibe. (AroarA photo courtesy of Adrienne Amato & Michael Baumgart)

If you were to describe the Montreal music scene to someone abroad, what would you say?
DS: Sketchy loft spaces, questionable haircuts, little deodorant and mostly fun.

What’s next? Can we expect collaborations between Pop Montreal and Club Roll this summer?
LL: We are about to release new singles from all of our artists in the next month [and] will inevitably have some artists showcasing at this year’s Pop Montreal, but aside from that, Club Roll and Pop Montreal are completely separate entities that have nothing to do with each other. NOTHING. ZERO. ZILCH. NADA. SHOOM DAVAR.

AroarA throws a surprise, pop-up EP launch party on May 17 at 7 PM at Espace POP (5587 Parc Avenue).

Lead photo: FilthyHaanz  

Crew Love: Club Roll

Fondé par Dan Seligman – que vous connaissez comme étant la tête dirigeante de Pop Montréal – et Lenny Levine, Club Roll n’est plus qu’un simple (mais ô combien mythique) sandwich de viande fumée montréalais. Dorénavant, le nom fait aussi référence à une nouvelle maison de disques indépendante représentant certains des artistes émergents les plus courus en ville. Ce duo de visionnaires a rencontré Société Perrier pour retracer la genèse de Club Roll. 

Comment Club Roll a-t-il vu le jour?
DS: Nous voulions tous les deux lancer une entreprise de boissons énergisantes biologiques, mais le projet est tombé à l’eau, donc on s’est rabattu sur la musique, puisque nos chances de réussite y sont beaucoup plus élevées.

LL: Avant de lancer Club Roll avec Dan, je dirigeais une autre maison de disque – que je ne nommerai point – et qui m’a viré. Club Roll, c’est notre exutoire créatif pour finalement travailler ensemble après avoir tissé une belle amitié et des liens professionnels solides depuis plus de dix ans. La maison de disques est un excellent tremplin qui nous permet de bosser avec des gens qu’on aime en tant qu’êtres humains.

Votre écurie d’artistes est uniquement composée de musiciens montréalais. C’était voulu, au départ?
LL: Le pur fruit du hasard, en fait. Nous ne tenions pas dur comme fer à ne signer que des artistes montréalais. Mais au final, c’est ce qui s’est produit – et c’est tant mieux, parce que cette ville est un puits sans fond d’artisans carrément uniques, et que cette cohorte commence enfin à déborder un peu de son carré de sable.

Qu'est-ce qui vous porterait à inviter un musicien à se joindre à vos rangs?
LL: Heureusement pour Club Roll, Dan et moi nous entendons habituellement quant à ce que nous considérons « bon ». Nous nous sommes chicanés pour la toute première fois hier, après tout. Il m’a traité d’arrogant. J’ai ri.

DS: Nous endisquons uniquement la musique qui nous inspire. Nous voulons être carrément emballés, voire subjugués.

Dan, pourriez-vous nous décrire les quatre formations que vous représentez à l’heure actuelle?
AroarA: sombre, rêveur, viscéral, un voyage à la source hors du commun. Jeux d’ombre et de lumière. Yin/yang.

Karneef: Binaire, oblique, frénétique, futé, affamé, déterminé de revoir votre structure moléculaire. Le vaisseau spatial vient d’atterrir en catastrophe dans votre cour arrière. Conduisez-le à votre chef. Dépoussiérez votre boulier et votre balance à triple fléaux.

Jef Barbara: Sincère, tout en douceur, passionné, joue avec ses tripes, mise le tout pour le tout. Il se met à nu. Jef est une bête de scène. Le futur, c’est lui. (photo de l'artiste gracieuseté de Minelly Kamemura)

Filthy Haanz: Curieux et vorace, bien conscient que l’heure est venue de faire fi de toute prudence. Un kaléidoscope mélodieux, tel des vagues qui s’écrasent sur la plage avant de prendre le large avec précipitation.

Qu’est-ce qui vous a plu chez AroarA, le nouveau projet d’Andrew Whiteman de Broken Social Scene et de sa femme Ariel Engle?
DS: Ariel et moi avons travaillé ensemble au Hurley’s Pub il y a plus d’une décennie, avant que je ne l’entende chanter avec The Dears… J’ai rencontré Andrew lorsque j’étais en tournée avec Stars et Broken Social Scene en 2001, donc je les connais depuis longtemps et je suis avec intérêt leur parcours. Étant un grand fan de leur musique, et vu qu'ils sont tous deux des gens hyper sympathiques et authentiques, c’était la suite logique. Ils voulaient s’associer à une maison de disque branchée et nous étions conquis d’avance. (photo d'AroarA gracieuseté d'Adrienne Amato & Michael Baumgart)

Si on vous demandait de décrire la scène musicale montréalaise à un étranger, que diriez-vous?
DS: Des espaces loft un peu crades, des coupes de cheveux douteuses, un manque de désodorisant et beaucoup de plaisir.

Quelle sera la prochaine étape pour vous? Peut-on s’attendre à des collaborations entre Pop Montreal et Club Roll dès cet été?
LL: Nous ferons paraître de nouveaux singles de tous nos artistes au cours du prochain mois et nous aurons inévitablement quelques artistes en prestation à Pop Montreal cet automne. Mais nous tenons vraiment à réitérer que Club Roll et Pop Montréal sont deux entités complètement séparées. Elles opèrent indépendamment l’une de l’autre. Rien à voir, donc. NOTHING. ZERO. ZILCH. NADA. SHOOM DAVAR.

AroarA lance son EP avec une prestation pop-up surprise le 17 mai à 19h à l’Espace POP (5587, Avenue du Parc).

Photo principale: FilthyHaanz 

The Piknic Electronik weekends are back at Parc Jean-Drapeau for another season of heat and music. The 2013 program offers a big selection of renowned and promising electro artists and a great balance of locally grown and international talents.

From May to September, numerous DJs will perform during one of the 20 events. Don’t miss Laura Jones, internationally known for her melodic interpretation of house music. Or be there to dance on Canadian producer TIGA’s New Wave beats and let yourself be drawn by KenLo Craqnuques' colorful instrumental universe.

Some great local acts are also on the line-up, such as DJ Shaydakiss and the light-hearted bearded duo ROUX Soundsystem. Front-line Misstress Barbara will also be performing live in September.

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Les week-ends du Piknic Électronik sont de retour au Parc Jean-Drapeau pour une autre édition combinant chaleur et musique. La programmation 2013 nous offre une grande sélection d’artistes prometteurs et renommés.

De mai à septembre, plusieurs DJ performeront lors de l’un des 20 grands événements. Ne manquez pas Laura Jones, reconnue mondialement pour son interprétation mélodique de la musique house. Soyez présent pour danser sur les rythmes New Wave du producteur canadien TIGA et laissez-vous emporter dans le monde instrumental et coloré de KenLo Craqnuques.

Si vous désirez découvrir ou redécouvrir des talents d’ici, venez danser au son de DJ Shaydakiss ou venez rencontrer le sympathique duo de joyeux lurons barbus ROUX Soundsystem. L'incontournable Misstress Barbara sera également de la partie en septembre.

Achetez vos billets ou votre passe de saison ICI.

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Vidéo promotionnelle.

Depuis 2003, le Piknic Electronik a reçu une quantité innombrable de pointures de la musique électronique au Parc Jean-Drapeau. Cette année, la légende de la techno de Détroit, Carl Craig, assurera le show. Mais les programmateurs du Piknic, ce sont aussi des défricheurs, œuvrant au sein d'une institution qui met en avant les talents locaux et canadiens. Sous le mobile de Calder, cette année, se produiront des dizaines de producteurs et DJs canadiens, déjà encensés ou sur le point d’éclore au monde entier. Société Perrier en a choisi cinq à ne manquer sous aucun prétexte.

Jay London
Comme son nom ne l’indique pas, Jay London vient de Montréal.  Son truc à lui, c’est de poser des voix et des sonorités hip-hop sur une architecture house traditionnelle. Il a déjà fait fondre l’Igloofest plus tôt cette année, alors il devrait rafraîchir le parc Jean-Drapeau avec son cocktail inimitable. (19 mai)

Hissy Fit
Montréal regorge de scènes différentes et de sons variés. Du hip-hop à la house en passant par la techno, la bass music a aussi sa place. Hissy Fit fait partie de cette scène et n’hésite pas à s’aventurer vers les contrées les plus dansantes de « l’EDM ». Le résultat est un condensé de bonne humeur et de mélodie imparable. Même le Calder devrait danser! (26 mai)

Buck Smith
Si vous avez le cœur et le corps bloqués à 120 BPM, c’est que vous êtes un enfant de la house. Et cette house est bien loin d’être enterrée. Au contraire, elle est pleine de vitalité, comme le démontre la jeune Buck Smith, une référence deep-house locale depuis plusieurs années déjà. Au programme, beats lancinants, voix hypnotiques et danses sensuelles. (9 juin)

High Klassified
High Klassified continue de grimper les échelons à grande vitesse en 2013. Après l’Igloofest, le jeune producteur lavallois continue d’impressionner aux côtés de Tommy Kruise et de Kaytranada. Chacun de ses titres nous rappelle sa propre marque sonore et ses textures inégalables, allant bien au-delà des étiquettes dubstep et UK garage qu’on aurait tendance à lui coller. Ambiance (et « flexin’ », comme il dirait) assurés. (23 juin)

Alicia Hush
Si la tech-house est toujours aussi présente dans les clubs, c’est parce qu’elle est le parfait compromis entre groove et rythme. Alica Hush l’a bien compris. Les basses sont le cœur de sa musique minimale et tout en sensualité. Sur son SoundCloud, on lit « sa raison d’être, c’est d’être émue et d’émouvoir les autres ». Voilà un parfait résumé. (30 juin)

Les Piknic Électronik ont lieu tous les dimanches, du 19 mai au 22 septembre. 

Crédit photo principale: François J. Rousseau

Piknic Électronik Draws Attention to Talented Local Artists

Since 2003, Piknic Électronik has flied in a colossal amount of electronic music pillars to perform at Parc Jean-Drapeau. This year, for instance, Detroit techno legend Carl Craig will command a few hours of 4X4 fun at this cheerful outdoor hoopla. But Piknic programmers are also discriminating detectives tasked with plucking the cream of the local (and Canadian) crop.

This year, under the mighty Calder statue, dozens of Canadian producers and DJs – some already acclaimed in beat-inclined circles, others on the verge of breaking out – will work the decks before an energetic crowd of Sunday dancers.  Société Perrier singled out five that you should be on the lookout for in the months ahead.
Jay London
Contrary to his DJ moniker, Jay actually hails from Montreal. His trademark involves laying vocals and hip-hop sonorities atop a traditional house foundation. He already melted Igloofest structures earlier this winter, so expect him to cool down Parc Jean-Drapeau with his singular superpowers. (May 19)

Hissy Fit
Montreal boasts a wide spectrum of different scenes and varied sounds. From hip-hop to house and techno, bass music also carves out its piece of the nightlife pie. Hissy Fit pledges his alliance to that scene, but he doesn’t hesitate to venture off into more dance-attuned “EDM” grounds. All of which amounts to a concentrate of good humour and unstoppable melodies. Even the Calder should break a sweat! (May 26)

Buck Smith
If you’re heart and body appear hung up on 120 BPM, don’t look for a far-fetched diagnosis – you’re a child of house music, pure and simple. And those house vibes aren’t going anywhere any time soon. Quite the opposite, actually, the scene is incredibly vibrant, as evidenced by the young Buck Smith, a local reference in all deep house matters for many years already. On the bill: throbbing beats, hypnotic vocals and sensual grooves. (June 9)

High Klassified
High Klassified has been climbing musical echelons at the speed of light. Since Igloofest, the young Laval producer has continued to catch many revellers off-guard, alongside Tommy Kruise and Kaytranada. Each one of his titles reminds us that his signature sound and invaluable textures go above and beyond the “dubstep” and “UK garage” labels many would be inclined to associate with his output. Flexin’ and good vibes, guaranteed. (June 23)

Alicia Hush
If tech-house continues to dominate the club circuit, it’s because it offers the perfect compromise between groove and rhythm. Alicia Hush recognized that long ago. Her bass lines are an invaluable feature of her minimal, sensual cuts. On her SoundCloud, she declares: “my raison d’être is to be moved by music and to do the same for others.” Well put. (June 30) 

Piknic Électronik takes place every Sunday from May 19 to September 22.

In a pitcher fill with ice, add the fresh fruits. Pour the peach nectar, the Grand Marnier and Sauvignon Blanc. Top with Perrier.

Recette Cocktail: Le Perrier Peach Splash

L’été est à nos portes et pour célébrer l’arrivée de la chaleur nous vous proposons de revisiter un grand classique de la mixologie avec notre nouveau cocktail le Perrier Peach Splash. Avec son goût de pêche bien juteuse et ses délicates bulles, cette rafraichissante variation de la sangria deviendra à coup sûr le cocktail de votre été. À déguster en plein soleil, sur votre terrasse favorite, en bonne compagnie.

Dans un pichet, déposer les fruits et la glace. Ajouter le nectar de pêche, le Grand Marnier et le sauvignon blanc. Allonger au Perrier.

There is definitely something brewing in Montreal, I think it’s on course to becoming very influential on the international scene.

Version française ci-dessous

Over the past four years, the Montreal team behind DÉCOVER has been working hard towards establishing its publication as the go-to resource for all visual arts matters. With their latest issue come a slew of changes – all for the better – including more pages, more interviews and, yes, more art. Co-founder and artistic director Micah Lockhart (see photo below) spoke to Société Perrier about the re-launch, raved about Montreal’s thriving art scene, and gave us the scoop on the city’s best emerging talent.

DÉCOVER was founded back in 2009. What inspired the launch?
I bought a painting that summer from Etienne Martin and we talked a lot about the lack of media coverage for visual artists in Quebec. Being a graphic designer and a big fan of print, I suggested we start a magazine and distribute it for free to show people that we have some seriously talented artists in Montreal. Etienne loved the idea and we went from strangers to business partners within an hour. Three months later, the first issue of DÉCOVER was launched at the Quai des Brumes with the painting I bought from Etienne on the cover.

You’ve gone from a free mag to a paid one – how do you think that’ll change your reader base?
Not being a free magazine anymore means our readers will be more serious about visual arts and more critical since they have to fork out ten bucks to get the mag. Now that the magazine is sold, there's an extra challenge to make sure we constantly present interesting and fresh content; it'll keep us on our toes.

In all your years running DÉCOVER, what has surprised you most about Montreal’s arts community?
How talented and deep the creative pool is. There is definitely something brewing in Montreal, I think it’s on course to becoming very influential on the international scene. Especially with passionate organizations like En Masse, Cease, LNDMRK and others representing Montreal visual arts.

An artist whose work you recently discovered and that you can’t get enough of?
If I had to name just one, it would be Zoltan Veevaete. I love his paintings with opposing ideas, mixed styles with a kind of absurdity and twisted perspectives. He's very in tune with his creativity; he's a natural.

How about some up and comers we should absolutely keep an eye out for?
I'd say Philippe Chabot, Mathieu Connery, Laurence Vallières and I could go on, but I also suggest checking out Daniel Barkley, Frédérick Ouellet, Sandra Chevrier, Nicolas Ranellucci, Heidi Taillefer and Jaber Lutfi who have been around for a while.

Le Magazine DÉCOVER Croit Énormément au Potentiel de la Scène Locale 

Dans les derniers quatre ans, l’équipe de DÉCOVER, basée à Montréal, a travaillé fort à faire de son magazine la référence incontournable en arts visuels. Avec leur plus récent numéro viennent maintenant une panoplie de changements (tous pour le mieux), incluant plus de pages, plus d’entrevues et, oui, plus d’œuvres d’art. Le cofondateur et directeur artistique Micah Lockhart (voir photo ci-dessous) nous parle du lancement de la nouvelle mouture du magazine, de la scène artistique montréalaise, si florissante, et nous révèle quelques-uns des meilleurs talents émergents de la ville.

DÉCOVER a été fondé en 2009. Qu’est-ce qui a inspiré sa création?
J’ai acheté une peinture d’Étienne Martin et quand on s’est rencontrés pour conclure la transaction, on a beaucoup parlé du manque de couverture médiatique des arts visuels au Québec. Étant un designer graphique et un grand fan de matériel imprimé, j’ai suggéré que nous fassions un magazine à distribuer gratuitement pour montrer aux gens que nous avons des artistes très talentueux ici même à Montréal. Étienne a adoré l’idée et nous sommes passés du statut d’étrangers à celui de partenaires d’affaires en moins d’une heure. Trois mois plus tard, le premier numéro de DÉCOVER était lancé avec la peinture que j’ai achetée d’Étienne sur la couverture.

Vous êtes passés de magazine gratuit à payant. Comment pensez-vous que ça va changer votre lectorat?
Ne plus être un magazine gratuit signifie que nos lecteurs seront plus sérieux en ce qui concerne les arts visuels et probablement plus critiques parce qu’ils vont avoir à débourser dix dollars pour obtenir un exemplaire. Maintenant qu’il est vendu, il y a un défi supplémentaire afin de nous assurer que nous présentions toujours du contenu intéressant et inédit; cela va nous garder en éveil.

Dans toutes vos années à la tête de DÉCOVER, qu’est-ce qui vous a surpris le plus de la communauté artistique montréalaise?
À quel point les artistes ici sont talentueux, et leur nombre. Il y a assurément quelque chose qui mijote à Montréal, et je crois que c’est sur le point de devenir très influent sur la scène internationale. Surtout avec des organismes passionnés comme En Masse, Cease, LNDMRK et d’autres représentants des arts visuels à Montréal.

Un artiste que vous avez découvert par votre travail et dont vous n’arrivez pas à vous lasser?
Si je n’en avais qu’un à nommer, ce serait Zoltan Veevaete. J’adore ses tableaux, qui opposent les idées, qui mélangent les styles avec une drôle d’absurdité et des perspectives tordues. Il est très à l’unisson de sa créativité; c’est un naturel.

Quelques nouveaux talents à ne pas manquer?
Je dirais Philippe Chabot, Mathieu Connery, Laurence Vallières, et je pourrais continuer… Je vous suggère aussi de jeter un œil sur Daniel Barkley, Frédérick Ouellet, Sandra Chevrier, Nicolas Ranellucci, Heidi Taillefer et Jaber Lutfi, qui sont là depuis un bout de temps.

Micah Lockhart portrait by Alex The Surgeon

I began my career as a painter and, gradually, my textiles became my canvas. The Internet is a powerful tool for research and allows me to travel from one discipline to another and find references to flesh out ideas.

Version française ci-dessous

From June 5 to 12, internationally renowned fashion designer Renata Morales is taking over the Phi Centre. The guest curator will be throwing an eight-day, eight-night multidisciplinary art extravaganza: attendees will have the opportunity to shop for personally curated pieces from local and international designers, to discover inspired artistic exhibitions, to take in the turntable prowess of live DJs and await surprise guests. Among the designers, bands and artists expected to contribute to the Renata/Phi festivities, look out for Denis Gagnon, Complex Geometries, Young Paris, The Salivation Army, Slim Twig, Joe Becker, Jef Barbara, Karneef, Agor, Prison Garde, Actress, and Petra Glynt.

Having already collaborated with top-tier talent such as Arcade Fire and Denis Villeneuve (for his Cannes-winning short film Next Floor), and participated in the Montreal Museum of Fine Arts’ Big Bang exhibition, we’re expecting no less than a total sensorial immersion into Renata’s avant-garde universe. See you there?

How did you begin merging art and fashion to create your collections?
I began my career as a painter and, gradually, my textiles became my canvas. The Internet is a powerful tool for research and allows me to travel from one discipline to another and find references to flesh out ideas. Art has always been my primary inspiration – I am inspired by current ideas and trends in contemporary art and music. I have also had the opportunity to travel extensively in Europe, Asia and of course at home in Mexico, which allowed me to become familiar with international art institutions – all of which has had a great impact on my thoughts and processes.

How does your multidisciplinary approach affect your designs?
Overall, art direction is an important part of my process. I begin thinking of an idea from a curatorial perspective. In what context will the garment be worn? What will it sound and feel like? For example, I have worked with musicians and created designs for both stage and video purposes – a collaborative approach, along with an understanding of movement and a theatrical interpretation of lyrics, is indispensable to my working process.

How did you approach this curatorial opportunity?
I wanted to create something combining my favourite music, my love for emerging talent and the opportunity to work with designers I admire. The Phi Centre allowed me to push my aesthetic past traditional boundaries and to consider different experiential possibilities for the audience. I also want to create a kind of “party” atmosphere to enable attendees to celebrate art and have fun outside of usual daily restrictions – a chance to break the rules by shopping late, visiting an exhibit and experiencing live music, all day and all night.

What is your fashion/art philosophy and how will the event represent it?
I love the idea of transformation, that a space can become something unpredictable. I like to defy logic and find harmony in chaos.

How did you choose the designers/artists you'll be working with?
They are people I admire and stay in touch with.

Renata Morales at the Phi Centre, from June 5 to 12.

Renata Morales prend d’assaut le Centre Phi de Montréal

Du 5 au 12 juin, la designer mode Renata Morales, reconnue internationalement, prend le relais au Centre Phi. La commissaire invitée lancera un évènement d’art multidisciplinaire de huit jours et huit nuits: l’assistance aura l’opportunité de se procurer des créations de designers locaux et internationaux triées sur le volet, de découvrir des expos d’art inspirées, de se laisser aller aux prouesses aux platines de DJ live, et des invités-surprises seront de la fête. Parmi les designers, les bands et les artistes attendus aux festivités Renata/Phi, surveillez Denis Gagnon, Complex Geometries, Young Paris, The Salivation Army, Slim Twig, Joe Becker, Jef Barbara, Karneef, Agor, Prison Garde, Actress, et Petra Glynt.

Renata ayant déjà collaboré avec des talents reconnus, tels Arcade Fire et Denis Villeneuve (pour son court métrage lauréat à Cannes Next Floor), et participé à l’exposition Big Bang au Musée des Beaux-Arts de Montréal, on ne s’attend à rien de moins qu’une immersion totale dans son univers d’avant-garde. On se retrouve là-bas?

Comment avez-vous commencé à mêler art et mode dans vos collections?
J’ai commencé ma carrière en tant que peintre et, graduellement, les textiles sont devenus mes toiles. Internet est un outil puissant de recherche et me permet de voyager d’une discipline à l’autre et de trouver des références pour étoffer mes idées. L’art a toujours été ma principale inspiration; je suis inspirée par les idées et les tendances actuelles en musique et en art contemporain. J’ai aussi eu l’opportunité de voyager beaucoup en Europe, en Asie et bien sûr à la maison, au Mexique, ce qui m’a permis de me familiariser avec les institutions d’art internationales. Tout ça a eu un grand impact sur ma pensée et mes processus.

De quelle manière votre approche multidisciplinaire influence-t-elle vos designs?
Dans l’ensemble, la direction artistique est une partie importante de mon processus. Je commence à penser à un objet d’un point de vue de commissariat. Dans quel contexte le vêtement sera-t-il porté? Quelle sensation cela donnera? Par exemple, j’ai travaillé avec des musiciens et créé des designs à la fois pour la scène et des vidéos; une approche collaborative, en plus d’une bonne compréhension du mouvement et d’une interprétation théâtrale des paroles, est indispensable à mon processus de travail.

Comment avez-vous approché ce travail de commissaire ?
Je voulais créer quelque chose qui combine ma musique préférée, mon amour du talent émergent et l’opportunité de travailler avec des designers que j’admire. Le Centre Phi m’a permis de pousser mon esthétique au-delà des frontières traditionnelles et de considérer différentes possibilités expérientielles pour le public. Je veux aussi créer une sorte d’atmosphère de «party» pour permettre aux participants de célébrer l’art et d’avoir du plaisir en dehors des restrictions quotidiennes habituelles, la chance de briser les règles en magasinant, en visitant une expo et en faisant l’expérience de musique live à toute heure du jour et de la nuit.

Quelle est votre philosophie en art et design et comment cet évènement en sera-t-il le reflet?
J’adore l’idée de la transformation, qu’un espace puisse devenir quelque chose d’imprévisible. J’aime défier la logique et trouver l’harmonie dans le chaos.

Comment avez-vous choisi les designers/artistes avec qui vous allez travailler?
Ce sont des gens que j’admire et avec qui je reste en contact.

Renata Morales au Centre Phi, du 5 au 12 juin.

I vowed to never present my work when time is not on my side. My pants have been on fire every since.

Version française ci-dessous

Montreal native Gabriel Coutu-Dumont is not like most artists in that he’s rather difficult to label – and that’s a good thing. A photographer turned multidisciplinary creator, he will be showing two very different exhibits – Wonders of a Transient Universe and The Way of the Willows – in the city he calls home. Meanwhile, he’s already dreaming up future projects, which include music. Only fitting, especially considering his brother is acclaimed electronic producer Guillaume Coutu-Dumont.

You started out as a photographer, then transitioned into other mediums – what brought about this change?
My studies in photography were fairly technical and while I was learning to expose film correctly, guesstimate ambient lighting and deal with hypothetical clients, I was obsessed with finding ways to blend painting, drawing, sculpting and photography together.

I was constantly trying to escape the very nature of photography. At that time, transforming a reproducible, bidimensional photograph into a tridimensional, unique piece seemed to be the ultimate goal.

Tell us about the upcoming Wonders of a Transient Universe and The Way of the Willows exhibits.
Wonders of a Transient Universe is a reboot, with new and revisited pieces, of a previous show entitled Living in Different Worlds presented at Donald Browne Gallery in 2011. The corpus speaks of this other life I lead on an arena rock tour where I work as a video designer. The revisited corpus contains photographs and sculptural elements and is my second attempt to represent, in an abstract way, the immensity and the vanity, the mysticism and the basic human need for those gigantic endeavours that are rock concerts. The result is a mixture of humoristic esotericism and sci-fi eye candy.

The Way of the Willows is a series of portraits I shot during a CALQ residency at the CCA in Glasgow in 2009 with the help of Brian Sweeney, a Scottish photographer. For a few weekends, we photographed the nightlife fauna of Sauchiehall Street, which used to be very chic and bourgeois in the 1900s and now is basically a series of bars, pubs and music venues.

Since we shot only from 10pm to 4am, most participants were inebriated or well on their way... the formal settings for all the portraits and the numerous hours of touching up the images created a result that somewhat echoes the paintings of the Dutch Masters and creates a temporal bridge that makes you travel back to the golden years of that street.

Have you ever looked at a completed work and found that it didn’t turn out the way you had hoped?
Yes. The first show I ever did in a gallery was very ambitious and we lacked time to prepare, which is usually a very bad combination of factors. I was very disappointed by the result, especially knowing what it could have been if I had three decades and a hundred million dollars to realize it.  After that, I vowed to never present my work when time is not on my side. My pants have been on fire every since.

Talk to us a bit about your ties to electronic music and a certain Guillaume Coutu-Dumont...
My brother Guillaume is a musician and got involved in the Montreal electronic music scene in the early 2000s with strong ties to Alain Mongeau and the MUTEK festival. The festival's label released his first record, Don't Postpone Joy, in 2003, for which I did the artwork.

Through my brother, I met and collaborated with the MUTEK family – the network of amazing people I met during those years had a tremendous influence on how I think about creation nowadays and I guess I'll always be grateful to my brother for having opened that door for me.  

Wonders of a Transient Universe runs May 4 – 25 at PHI Centre (407 Saint-Pierre Street, 2nd level) and The Way of the Willows runs May 4 – June 15 at Galerie Donald Browne (372 Sainte-Catherine West, Suite 528).

Gabriel Coutu-Dumont, Artiste Pluridisciplinaire Par Excellence

Le Montréalais Gabriel Coutu-Dumont n’est pas comme la plupart des artistes : son œuvre est véritablement inclassable – ce qui est à la base un grand atout. Un photographe devenu créateur pluridisciplinaire, il présentera deux expositions on ne peut plus différentes – Wonders of a Transient Universe et The Way of the Willows – dans la ville où il habite. Entre temps, il envisage déjà de futurs projets, notamment en ce qui a trait à la musique. Un penchant tout à fait logique, son frère étant l’acclamé producteur électronique Guillaume Coutu-Dumont.

Vous avez entamé votre carrière en photographie, avant de vous réorienter vers d’autres formes créatives. Comment est survenu ce passage?
Mes études en photo étaient assez techniques. Pendant que j’apprenais à exposer l’image correctement, à approximer la lumière ambiante et à gérer des clients hypothétiques, j’étais obsédé par cette idée de mêler la peinture, le dessin, la sculpture et la photo ensemble.

J’essayais constamment d’échapper aux conventions rigides de la photo. À l’époque, de transformer la photographie reproductible et bidimensionnelle en œuvre tridimensionnelle complètement unique semblait le but ultime.

Parlez-nous de vos prochaines expositions, Wonders of a Transient Universe et The Way of the Willows.
Wonders of a Transient Universe est un deuxième tour de piste avec de nouvelles œuvres ainsi que des pièces revues, tirées d’une ancienne expo intitulée Living in Different Worlds et présentée à la Galerie Donald Browne en 2011. Le corpus traite de la double vie de designer vidéo que je mène en parallèle, au sein d’une tournée de rock d’arène. Le corpus revu contient des photographies et des éléments sculpturaux et il s’agit de ma deuxième tentative de dépeindre, de façon abstraite, l’immensité et la vanité, le mysticisme et le besoin fondamental de l’homme pour ces projets gargantuesques que sont les concerts rock. Le résultat est un mélange d’ésotérisme humoristique et un régal visuel teinté de science fiction.

The Way of the Willows est une série de portraits que j’ai réalisés lors d’une résidence CALQ au CCA à Glasgow en 2009 en compagnie de Brian Sweeney, un photographe écossais. Pendant quelques fins de semaine, nous avons capté la faune nocturne de la rue Sauchiehall, qui était jadis très chic et bourgeoise dans les années 1900, mais qui n’est désormais qu’une brochette de bars, de pubs et de salles de spectacles.

Puisque nous tournions de 22h à 4h du matin, les participants étaient souvent bien bourrés ou en voie de l’être… Le cadre formel des portraits ainsi que toutes ces heures passées à peaufiner les images ont donné quelque chose qui fait écho aux tableaux de maîtres hollandais et qui érige un pont temporel nous permettant de retourner dans le temps à cet âge d’or de la rue Sauchiehall.

Avez-vous déjà complété une œuvre qui, à votre humble avis, n’a pas offert le rendement attendu?
Oui. La toute première expo que j’ai faite dans une galerie était un pari très ambitieux et nous avons manqué de temps de préparation, ce qui est généralement une très mauvaise combinaison de facteurs. J’ai été très déçu du résultat, surtout en imaginant ce que j’aurais pu accomplir avec trois décennies de plus et un million de dollars en investissement. À partir de ce moment, je me suis juré de ne plus jamais présenter mon travail lorsque le temps ne joue pas en ma faveur. Mes élans créatifs n’ont cessé de se manifester depuis.

Pouvez-vous nous parler du rapport privilégié que vous entretenez avec la musique électronique et avec un certain Guillaume Coutu-Dumont?
Mon frère Guillaume est un musicien et il s’est impliqué dans la scène électronique à Montréal au début des années 2000, en développant des liens très étroits avec Alain Mongeau et le festival MUTEK. Le label du festival a d’ailleurs fait paraître son premier album, Don't Postpone Joy, en 2003, pour lequel j’ai fait le design de la pochette.

À travers mon frère, j’ai pu rencontrer et collaborer avec la famille MUTEK – un bassin de gens formidables qui ont eu une grande influence sur moi et sur mon approche à la création. Je crois que je serai éternellement reconnaissant envers mon frère pour m’avoir ouvert cette porte. 

Wonders of a Transient Universe est présenté du 4 au 25 mai au Centre Phi (407, rue Saint-Pierre, 2^e étage) et The Way of the Willows est présenté du 4 mai au 15 juin à la Galerie Donald Browne (372, rue Sainte-Catherine Ouest, suite 528). 

HD has a pop approach and has layers of pop culture in it but this album came about more like a vibe or a mood, that’s how I imagined it.

Version française ci-dessous

What is pop music? Is it simply a song that’s popular or is it an aesthetic within itself? Is it about cash or catchiness? HD, the latest release by ATOM™ on influential German label raster-noton, is all about pop music…but is it pop music? Yes and no, it’s both a collection of “sticky” electropop tracks capable of generating earworms and an experimental, experiential thesis on the current state of pop music. It’s clever and it’s catchy, though it’s unlikely that it will storm the charts or make anyone filthy rich.

“I knew that it had to deal with, let’s say, the pop idea,” says Uwe Schmidt, the man behind ATOM™ (as well as Señor Coconut and Atom Heart, to name a few of his many aliases), via Skype from his home in Chile. Schmidt is no stranger to pop music: as Señor Coconut, he performed Kraftwerk songs with a full Latin band and exposed the quintessentially pop underpinnings of the German electro pioneers' songs. But he is also not someone you’d categorize as a pop artist (though he is very popular with lovers of electronic music). His work is always smart and it tends to challenge conventions more than it conforms to them, yet it’s usually friendly and likely to put a worm in your ear.

“HD has a pop approach and has layers of pop culture in it but this album came about more like a vibe or a mood, that’s how I imagined it,” says Schmidt, who describes his process as being more intuitive and about “gut” feelings than mental machinations (the thinking comes later, during the editing process). The layers of pop on HD come in many different forms—“I Love U” features soulful vocals by Jamie Lidell, there’s a cover of The Who’s “My Generation” and, on “Empty,” lyrics such as “The internet killed the video star, MP3 killed MTV” that wittily reference The Buggles’ 1979 hit, “Video Killed The Radio Star” – the first video ever played on MTV. Or there’s the more overtly didactic “Stop (Imperialist) Pop” which calls out the corporate machine.

“I think what’s going on right now, not just in pop but in so-called First World societies, is related to the economic problems arising. There’s a general feeling that something is dissolving or crumbling,” explains Schmidt. In many ways, Schmidt is on a mission to save pop music—meaning beautiful, catchy, soulful, interesting pop songs that are good enough to seduce you into loving them without being hammered into your brain via constant media bombardment. And, while HD might sound more heady than hedonistic on paper, its beauty is that it’s both smart and fun. Who says pop can’t be political or that the sounds of decay can’t be catchy?

ATOM™ performs the North American premiere of HD at Elektra on May 3^rd.

Uwe Schmidt joue avec les ATOM de la pop à Montréal

Qu’est-ce que la musique pop? Est-ce simplement une chanson qui est populaire ou est-ce une esthétique en soi? Les artistes pop cherchent-ils d’abord à faire de l’argent ou à composer des chansons accrocheuses? HD, la plus récente création signée ATOM™ sur l’influente étiquette allemande raster-noton, est d’abord et avant tout une musique pop… mais est-ce vraiment de la pop? Oui et non. C’est à la fois un mélange de pistes électropop qui nous reviennent en tête et une thèse expérimentale sur l’état actuel de la musique pop. C’est brillant et accrocheur, mais il y a peu de chances que cette œuvre envahisse les ondes ou transforme son auteur en multimillionnaire.

« Je savais qu’il fallait que je m’attaque à l’idée de la musique pop », déclare Uwe Schmidt, l’homme derrière ATOM™ (connu également sous les pseudonymes de Señor Coconut et Atom Heart, pour n’en nommer que quelques-uns), via Skype à partir de sa maison au Chili. Schmidt n’est pas un nouveau venu dans le monde de la pop; en tant que Señor Coconut, il a joué le répertoire de Kraftwerk avec un orchestre latino et révélé la base fondamentalement pop des chansons du pionnier électropop allemand. Mais il n’est pas un artiste pop à proprement parler (quoiqu’il est très populaire avec les amateurs de musique électronique). Son travail est toujours intelligent et il tend à défier les conventions plutôt qu’à s’y conformer. Par contre, sa musique est généralement chaleureuse et susceptible de vous rester en tête longtemps.

«HD adopte une approche pop et regroupe plusieurs éléments de la culture pop, mais cet album se voulait plus comme une ambiance ou une atmosphère. C’est comme cela que je l’imaginais », ajoute Schmidt qui décrit son processus créatif comme étant plus intuitif et viscéral que mental (le côté intellectuel vient après, au moment du mixage). Les niveaux pop de HD prennent diverses formes —I Love U met en vedette la voix mélancolique de Jamie Lidell, il y a une reprise de My Generation par The Who et dans Empty, les paroles comme “The internet killed the video star, MP3 killed MTV” sont un clin d’œil au succès de la vidéo du groupe The Buggles en 1979, Video Killed The Radio Star – la première vidéo jamais jouée sur MTV. Dans Stop (Imperialist) Pop, les paroles interpellent la grosse machine corporative.

« Je crois que ce qui se passe en ce moment, pas seulement dans le monde de la pop, mais également dans ce qu’on appelle ‘‘les pays industrialisés’’, est relié aux problèmes économiques émergents. Il y a un sentiment général que quelque chose se dissout ou s’effondre », explique Schmidt. À plusieurs égards, Schmidt s’est donné pour mission de sauver la musique pop – avec des chansons accrocheuses, pleines de mélancolie et assez bonnes pour vous séduire sans rester gravées dans votre tête à force de bombardements médiatiques. Alors que sur papier, HD pourrait sembler plus intellectuel qu’hédoniste, sa beauté réside dans le fait qu’il est à la fois intelligent et amusant. Qui dit que la musique pop ne peut être politique ou que les sons de la décadence ne peuvent être accrocheurs?

ATOM™ présentera la première nord-américaine de HD au Festival Elektra le 3 mai.

Photo credit: Renato Del Valle 

Je dirais que mon travail est centré sur les percussions. J’essaie de mettre ma propre marque sur le son de Chicago.

English version will follow

S’il est né aux Pays-Bas, Hesk est arrivé sur l’île de Montréal à l’âge de 15 ans. Coïncidence ou non, c’est l’âge auquel il a commencé à toucher à la production et à la musique électronique. « Je joue de la batterie depuis que j’ai 11 ou 12 ans. Mais à 15 ans, quand mon petit frère avait besoin de beats pour rapper, j’ai téléchargé un démo du logiciel Fruity Loops et j’ai programmé des beats », raconte-t-il. Un an plus tard, il se retrouve avec un MPC2000 entre les mains (un séquenceur de chez Akai) chez son ami Chris, producteur plus aguerri.

Au départ, Hesk s’intéressait plus à l’art visuel et au design graphique, la musique n’étant alors qu’un passe-temps. Mais la dynamique s’est inversée, doucement mais sûrement, jusqu’à ce que Hesk décide de mixer ses beats de footwork devant des foules. Les jeudis à Montréal, il distille sa musique faite de juke et de footwork au Salon Officiel, lors des populaires soirées Booty Bakery.  « C’est une foule tellement diverse, tout le monde veut juste passer un bon moment là-bas. On réussit toujours à remplir le dancefloor, peu importe l’heure ! » résume-t-il. Montréal, ses clubs et ses artistes ont été une grande inspiration pour Hesk. « Être entouré de tellement de gens talentueux, qui savent où ils vont et qui travaillent fort, c’est très motivant », explique-t-il.

Sa motivation et son travail en ont fait l'une des références montréalaises en footwork et en juke. Mais comment décrire cette musique? « Je dirais que mon travail est centré sur les percussions. J’essaie de mettre ma propre marque sur le son de Chicago. Ce style de musique est un dérivé de house. Quand la house est sortie de Chicago, le tempo est resté le même. Mais à Chicago, ils ont continué à évoluer, à accélérer le rythme… jusqu’à arriver au footwork d’aujourd’hui », détaille Hesk. Donc en un mot, sa musique, c’est « plein de percussions rapides et d’échantillons saccadés ».

Bien sûr, l’influence de DJ Rashad est présente dans sa musique. « C’est le parrain du footwork. » Mais aujourd’hui, Nadus, DJ Earl ou DJ Spinn font aussi partie de son répertoire. « Ces gars font une musique en avance sur leur temps, dit-il. Mais surtout, ils ont réussi à en conserver l’âme, ce qui est très important pour moi. »

En 2013, Hesk prépare une sortie sur le label Raw Records avec Paveun, et il travaille avec Philthkids pour le nouveau label Philthtrax. Mais beaucoup de ses projets sont encore des secrets. Restez donc à l’affût.

Locally Grown: Hesk

He was born and raised in the Netherlands, but Hesk landed on the island of Montreal at age 15. Coincidence or not, that’s the exact moment when he first dabbled in production and began to explore electronic music. “I’ve been playing drums since I was about 11 or 12 years old. But at 15, when my little brother needed some beats to rap over, I downloaded a demo version of Fruity Loops and started programming breakbeats,” he recalls. One year later, his friend Chris, a more seasoned producer, showed him the ropes on his MPC2000 (an Akai sequencer).

Initially, Hesk was more drawn to visual arts and graphic design, music being no more than a hobby. But that order of priority was eventually switched up, slowly but surely, until Hesk decided to share the footwork beats he’d been producing with the dancing masses. On Thursday nights, he now distills his juke and footwork-based brew at Montreal’s Salon Officiel, as part of the popular Booty Bakery nights. “The crowd is so diverse and everyone just wants to have a good time. We manage to fill the dancefloor every time, no matter how early in the night it may be!” Hesk sums up. The fledgling producer credits Montreal, its clubs and its artists as being great inspirations for his craft. “Being surrounded by so many talented people that are actually going somewhere with that talent and lots of hard work is very motivating,” he explains.

His motivation and hard work have made him one of the city’s references where footwork and juke are concerned. But how would he describe the music? “I think my work is very drum-heavy, and I tend to put my twist on the Chicago sound, a style that originated from house. When house was exported beyond Chicago, the tempo mainly stayed the same. But within Chicago city limits, the sound kept evolving, the beats kept speeding up to where footwork is today,” comments Hesk. So, in a nutshell, his sound features “lots of fast-paced drums and chopped-up samples.”

Of course, the influence of DJ Rashad is ever-present in his music. “He’s basically the godfather of footwork.” But Nadus, DJ Earl and DJ Spinn have also been among his principal influences. “All those guys make great music that’s very ahead of its time. But most of all, they manage to retain the soul, which is very important to me.”

In 2013, Hesk has a release lined up for RAW Records with Paveun, and he’s working with Philthkids’ new label, Philthtrax. But he’s keeping many of his projects on the down low, so you’ll have to stay tuned for more.

Version française ci-dessous

The vibrant, shape-shifting panorama of Montreal nightlife today simply wouldn’t look the same had producer/DJ Ghislain Poirier never gotten all worked up about our city’s musical DNA some 15 years ago. Montreal’s beloved electronic music ambassador has always stayed a few syncopated beats ahead of the curve, painting over rhythmic complacency with his forward-moving frescos and throwing conventional club wisdom for a loop. The Ninja Tune signee’s early career, ambient techno leanings gave way to a more boisterous, dancefloor-rattling stretch of dancehall, soca and world bass music explorations. Many city dwellers notably treasure fond memories of his Bounce Le Gros and Karnival nights.

Of late, the restless Poirier has put his tropical rhythm recipe book on hold as he hunts down soaring cinematic textures, wintry synth tones and classic IDM. With his entirely instrumental project Boundary, listeners find Poirier skirting the outer edges of techno, ambient and acid. On his eponymous, independently released debut, the emotional warmth of Boundary’s complex tempos belies those binding “experimental IDM” and “minimal techno” labels. As he preps for the world premiere of Boundary live with drummer Chris Olsen at this year’s MUTEK festival (the possibility of DJ sets using the Boundary moniker has already been ruled out), Poirier let Société Perrier in on a few records currently tickling his eardrums.

1. Jeremy Greenspan

Super hypnotic rework of Laurie Spiegel's "Drums" by half of Junior Boys. It's computer music from 1975 brought back to 2013. Sounds like early Plastikman.

2. Burial + Four Tet

This track is the perfect example to illustrate the incredible work of Burial and Four Tet.

3. Dubbel Dutch

Originally from Texas, now based in NYC, Dubbel Dutch has recently released this magical EP. It's romantic, instrumental dancehall that harkens back to mid-90's electronic music.

4. Daphni

A really nice project from Dan Snaith (Caribou). Far from being asepticized or clinical, it sounds rough, which is refreshing.

5. Mark Pritchard

Mark Pritchard has been very consistent for 20 years and counting. In this remix (I think it's unreleased), he remixes this classic Massive Attack track into digital dancehall style, referencing the Sleng Teng era.

Boundary world premiere at Montreal's MUTEK festival on May 31^st at the Metropolis. 

CloudSourcing: Boundary

Le nightlife montréalais, ce vibrant et changeant panorama, ne serait tout simplement pas le même si le bouillant producteur/DJ Ghislain Poirier ne s’était pas intéressé à l’ADN musical de la ville il y a quelque 15 ans. L’ambassadeur bien-aimé de la musique électronique à Montréal est toujours resté à quelques pas syncopés de la courbe, remplaçant le savoir-faire rythmique ordinaire par des fresques innovatrices donnant le tournis à la sagesse conventionnelle des clubs. Les débuts aux penchants ambient techno du poulain de Ninja Tune cédèrent le pas à un dancehall plus turbulent et apte à enflammer le dancefloor et à des explorations soca et world bass. Bien des Montréalais gardent un souvenir impérissable des soirées Bounce Le Gros et Karnival.

Récemment, Poirier a mis de côté son livre de recettes en rythmes tropicaux pour se lancer sur la piste de textures cinématographiques pleines d’élan, de synthés aux tons hivernaux et d’IDM classique. Avec Boundary, un projet entièrement instrumental, les auditeurs découvrent un Poirier fréquentant les extrêmes frontières du techno, de l’ambient et de l’acid. Sur ce premier-né éponyme, la chaleur et l’émotion des tempos complexes font mentir ceux qui assimilent «IDM expérimental» et «techno minimal». Comme il se prépare pour la première mondiale de Boundary live, avec le percussionniste Chris Olsen, au festival MUTEK cette année (la possibilité de DJ sets utilisant l’appellation Boundary a d’ailleurs déjà été mise de côté), Poirier a mis Société Perrier au parfum de quelques pièces qui lui chatouillent les tympans ces temps-ci.

1. Jeremy Greenspan

Super reprise hypnotique de «Drums » de Laurie Spiegel par la moitié des Junior Boys. C’est de la musique d’ordi de 1975 ramenée en 2013. Ça sonne comme le Plastikman des débuts.

2. Burial + Four Tet

Cette piste illustre parfaitement l’incroyable travail de Burial et de Four Tet.

3. Dubbel Dutch

Originaire du Texas, maintenant basé à New York, Dubbel Dutch a récemment fait paraître cet EP magique. C’est romantique, du dancehall instrumental qui nous ramène à la musique électronique du milieu des années 90.

4. Daphni

Un super projet de Dan Snaith (Caribou). Loin d’être aseptisé ou clinique, ça sonne rough. Ce qui est plutôt rafraîchissant.

5. Mark Pritchard 

Mark Pritchard a été (et est) très constant depuis 20 ans. Dans ce remix (inédit, je pense), il revisite cette piste classique de Massive Attack dans un style dancehall numérique, rappelant l’époque de Sleng Teng.

La première mondiale de Boundary aura lieu au Métropolis le 31 mai dans le cadre du festival MUTEK.